Exposición Galería Liebre.

Galería Liebre. 

La Galería Liebre presenta 7x114x146; 7 artistas, todos ellos pintores, con un formato establecido para esta colectiva de 114x146 cm.

Liebre muestra el trabajo de diversos artistas emergentes, que afrontan el reto de presentar su ultima producción de manera conjunta. 

Lo que realmente interesa mostrar es la diversidad de la nueva pintura española. Cada artista exhibe una sola obra, una muestra representativa de su forma de trabajar sobre nuevos imaginarios y filtrarlos al espectador a través de la pintura. Ademas, Liebre quería plantear un reto para los artistas; que ajustaran su "universo" a estas medidas concretas. El contenido, no el formato, debe ser, en esta ocasión, lo que atraiga la inquietud estética del espectador.

Pablo Bellot (Alicante 1976) 

Licenciado en Bellas Artes en la Facultad de Altea (Universidad Miguel Hernández). Master en Gestión y Producción Artística en la Universidad de Murcia. 

Su trabajo es reconocido por la utilización del dibujo como herramienta con la que desarrollar su obra. El blanco y negro es su característica fundamental en la utilización de lo mínimo como arma con la que elaborar el dibujo como pintura y la pintura como dibujo por medio de unos trazos enérgicos y espontáneos, próximos al dibujo infantil y adolescente sin prejuicios y completamente libre. Toda esta labor pictórica la combina con pequeñas escaramuzas donde poder desarrollar todo los conceptos con los que trabaja ideando proyectos de carácter instalativo. En su obra podemos encontrar el bien y el mal, la violencia, el chiste, la tragiparida, lo mínimo, la ausencia, la saturación, lo antivisual, o el acto de comunicación.

Juan Luis Cerrajero (Madrid 1971)

Juan Luis Cerrajero trata de interpretar en sus obras la realidad desde su punto de vista y a la vez relacionar dicha realidad con otras ideas, imágenes y formas surgidas de su inconsciente para generar nuevas formas simbólicas, unas más herméticas que otras. Quiere presentar a los demás el resultado y a la vez intenta aprender cosas de su subconsciente a través de sus propios dibujos y pinturas, ya que en muchas ocasiones no es un proceso completamente racional puesto que mientras pinta o dibuja "aparecen" formas complejas, figuras extrañas o elementos inesperados.

Maxon Higbee (USA 1978) 

Máster en Bellas Artes en The School of the Art Institute of Chicago.

Maxon Higbee nació en Paradise, un pequeño pueblo al pie de la cordillera de Sierra Nevada fundado por los mineros durante la fiebre del oro de California. La pepita de oro más grande del mundo, el "Dogtown Nugget", se encontró a sólo una milla de distancia de la casa de Maxon. Esta proximidad directa a los tesoros inalcanzables del pasado ha inculcado un sentido romántico de "buscar y descubrir" en Maxon. Sus proyectos parten de narrativas diversas, que pasan por el filtro de su propia sensibilidad. La protagonista principal suele ser la relación entre el hombre y la naturaleza, la técnica y el azar. Desde hace tres años vive y trabaja en Madrid. A lo largo de su trayectoria, ha expuesto en diversas galerías en Madrid, Chicago y California. Sus obras han sido recientemente incluidas en el prestigioso catálogo New American Painters.

Santiago Lara ( Tomellosos 1975) 

Inició sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y se licenció por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid donde se tituló posteriormente en el Master de Investigación, Arte y Creación y actualmente está cursando el Doctorando en BBAA. Creador de ficciones, apuesta por la pintura como un gran storyboard. En sus obras se articula la materia entre las líneas de un dibujo que supera el simple entramado. Su trabajo parte de una irreverente libertad y una sugerente iconografía, cercana a la cultura urbana, al comic, al cine y a la literatura. Reivindica el conocimiento y los factores de representación como las imágenes y el sonido, juntos al movimiento y a la imaginación, elementos transformadores de nuestro entorno. 

Albert Pinya ( Palma de Mallorca 1985) 

Albert Pinya ingresa y abandona la Facultad de Bellas Artes de Valencia en 2003.

"Más allá de su simpatía personal y su gracia plástica. Albert Pinya tiene algo que le distingue. No es diferente, es propio. Su desparpajo, su osadía, naturalidad, inocencia configuran una personalidad abierta, social, profunda: comunicativo y seclusi, anarco y ordenado, comprometido y divertido, diáfano. (...) se ha formado a golpes de rebeldía, a trompicones, pero ha logrado estar en la tradicion y en la primera línea, en la pomada internacional" (Tomás Paredes).

Cristina Toledo (Las Palmas de Gran Canaria 1986)

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2009.

La motivación que prevalece en su obra está anclada a su interés por la transformación de la imagen fotográfica en imagen pictórica. De esta forma se ocupa de tratar con la Historia y las historias a través de fragmentos, transformando las imágenes de todo tipo en signos poéticos a través de la pintura. Dentro de estos parámetros, el trabajo de Cristina Toledo consiste en rescatar material fotográfico de cualquier procedencia (red, prensa, archivos familiares. etc.) y elaborar otras representaciones que propicien nuevas lecturas. Trabaja por series de fotografías relacionadas temáticamente entre sí, tratando cuestiones como la memoria pública y privada, la representación de la identidad o los mecanismos de control impuestos a través de lo visible.

Jorge Vicén (Huesca 1980)

Licenciado por la Universidad de Barcelona 2004 y Posgrado Geometría Descriptiva Universidad de Barcelona 2009.

El trabajo de Jorge Vicen entiende la creación como una forma de construirse, en cuanto la implicación es absoluta; destrucción y construcción de la identidad psíquica, entendiéndose como estructuras irremediable y voluntariamente significantes. Su obra es meticulosa, maniática, sutilmente violenta, y capaz de expresar su objetualidad mediante exuberantes empastes de color dentro de un proceso que pretende acceder y desvelar lo imaginario, concibiendo su labor como la de canalizador y mediador entre lo real y lo imaginario.

Laura Torrado.

Laura Torrado. 

El pasado día 14 tuvimos la oportunidad los alumnos de Bellas Artes de la Universidad Rey Juan Carlos de asistir a una conferencia de la artista Laura Torrado. 

Gracias a nuestra profesora María Jesús Abad, de Análisis de la Forma, el Color y la Luz, durante una clase nos dio a conocer a esta artista, que días posteriores vino a darnos en persona una conferencia. 

La conferencia se baso principalmente en un recorrido de su carrera y su obra. A su vez, durante el recorrido y el cambio, Laura Torrado nos fue contando como todo cambia y poco a poco vas encontrando quien eres y como vas a moverte junto a tu obra y como te vas a relacionar con lo que te rodea. 

Es una artista poco convencional, ya que no se instala en una única forma de hacer arte, nos mostró formas de mezclar fotografía, escultura, instalación y pintura. 

En mi opinión, dentro de que es una artista poco convencional, que toca muchas formas de hacer arte tiene un campo y un objetivo claro, que perdura y muestra año tras año lo mismo, es cambiante pero con un único objetivo, la critica a la desigualdad, el ensalzamiento de la mujer, la muerte y el paso del tiempo. Es algo que valorar desde mi punto de vista y que a su vez valoro en otros muchos artistas, la "obsesión" por algo que no cambias pero mejora con cada obra. 

Fue un placer tener a una artista como ella, cercana y segura de su trabajo. Una artista a seguir.

A continuación pondré imágenes de la obra que mas me gusta. 

Instalación.

Instalación Artística. 

Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1960. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de exposición, a menudo la obra es transitable por el espectador y éste puede interaccionar con ella. Las intervenciones en espacios naturales que incorporan el paisaje como parte integrante de la obra suelen enmarcarse en el denominado Land Art o arte de la tierra. 


El trabajo consistía en realizar por nosotros mismos una instalación artística, creando a través de una maqueta o un espacio exterior la recreación de la instalación y el espacio donde se iba a exponer. 

En este caso, centre la instalación hacia un espacio cerrado que se pudiese visitar, como bien dice la definición haciendo participe al espectador de ello, creando un ambiente. 
A través de pequeñas laminas de muchos colores, que parten del techo hasta caer en el suelo pretendo crear un ambiente caótico y agobiante en el que el espectador se sienta encerrado o atrapado en la masa de color. Los colores son simplemente la representación metafórica de la igualdad a cualquier escala, ya sea entre sexos, razas, edades, instituciones, gustos o profesiones. 
Con ello trato de plasmar que aunque tantos colores muestren la felicidad la calma, la desigualdad y el acoso a las desigualdades se nota como algo lejano, que no nos afecta (lo colorido) pero hay un gran numero de personas afectadas por ello cada día, viviendo en un continuo sentimiento de agobio y caos (masa de color en un espacio reducido).

Tras realizar la instalación pensé: "que mejor manera de mostrar tu instalación que llevándola en uno mismo" Entonces hice esta fotografía (es solo una broma). 

Trabajo del Color: Gama de Grises.

Gama de Grises. 

En la siguiente entrada expondré mis puntos sobre el trabajo que realizamos sobre el color, en mi caso la gama de grises. 

¿Como funciona?

En el siglo XIX, los tejidos brillantes, pliegues y colores desaparecieron de la moda masculina procedente de Inglaterra. Esta moda se transformo en que el traje ideal seria, de tonos grises claros para el día y tono de grises oscuros para la noche. 

El color gris esta asociado a los signos Géminis y Acuario. 

En el Feng Shui el gris es un color desaconsejable para utilizar en el interior de la casa, mientras que es un color muy usado para el exterior como jardines o piscinas. Es muy usado también para en oficinas y despachos ya que es un color que transmite seriedad y respeto.

Artistas que lo emplean.

Santiago Ydañez: Es un pintor español, nacido en Jaén. Estudio Bellas Artes en Granada y realizo muchos talleres junto a Juan Genovés. 

Tiene una gran técnica y un gran uso del color, casi toda su obra gira entorno a la gama de grises aunque a veces jugando mas con el blanco y el negro junto a pequeñas pizcas de color. 

Como representación clara de la utilización de la gama de grises en una obra, quiero destacar el Guernica, cuadro realizado por otro pintor español Pablo Picasso. 

Es uno de los cuadros mas famosos de este artista, fue pintado en 1937, entre mayo y junio. El titulo de este cuadro es asignado en referencia al bombardeo de Guernica durante la Guerra Civil española. 

Este cuadro fue un encargo del director de Bellas Artes para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de París de 1937. El objetivo era apoyar la causa republicana en plena Guerra Civil española. 

En otras culturas. 

El color gris en otras culturas no tiene un gran significado, aunque en la cultura chica es un color tratado con mucha ambigüedad, ya que cada individuo le otorga un significado distinto. Es un color imprescindible en tiendas de música junto al color café y negro.

Literatura, Música y Cine.

En la literatura existe un termino que se emplea para nombras a un tipo de literatura en general y es Literatura Gris. Es un tipo de literatura poco convencional, semipublicada o invisible. Cualquier documento que no se transmite por canales ordinarios, suele ser literatura prohibida. 

En el cine son muchas las películas rodadas en blanco y negro, pero no he encontrado ningún director que base toda su filmografia en esta característica. 

He elegido dos películas que en mi opinión son muy famosas por la utilización del los grises. "La lista de Schindler" dirigida por Steven Spielberg y publicada en 1993. 

"¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú" dirigida por Standley Kubrick y publicada en 1964. 

Creatividad. 

Es una fotografía que realice mientras vivía en Dublín, no esta retocada. Tiene una gran gama de grises que le dan frialdad a la fotografía, junto a los puntos de fuga creados por los cables de electricidad.